VI MUSAS: Performance : Cuerpo al limite.

Surgida a principios de los 60 en EE.UU., la performance suele desarrollarse con controversia en los márgenes del arte y con límites siempre difusos. Primero estuvo ligado a los Happenings, acciones de improvisación surgidas desde el teatro, para luego devenir en otras formas de expresión corporal como el body art o el arte relacional. En la performance, la característica central es la interacción con el público y del elemento central se suele utilizar el cuerpo muchas veces desnudo de los ejecutantes. Lo que se busca es el impacto visual y el desplazamiento de las identidades. En la escena internacional la performance fue protagonizada por figuras como Yoko Ono, Joseph Beuys, John Cage y Marcel Duchamp , y entre las más destacadas Marina Abramovic.

Sin duda, el cuerpo como material, lenguaje y tema del arte contemporáneo viene precedido de una teoría social que lo percibió antes como problema, desde el que afrontar las preguntas eternas en torno al ser humano y lo social, después del estructuralismo y las posturas sistémicas.

Se denomina performance al arte de acción que se populariza en los años setenta desde el ámbito anglosajón, reemplazando a acción para describir realizaciones artísticas públicas, sin la obligación de la participación de espectadores. Tiene que ver con ciertos aspectos de la situación teatral (con un mayor componente corporal: el cuerpo como agente del conocimiento), la danza, lo visual, ciertos comportamientos sociales y el acontecimiento como gesto límite de la vida. Esta obra-en-proceso reclama un espectador activo. La performance es esa práctica donde el artista está autorizado a convertirse paralelamente en autor y objeto de arte: su materialización se encuentra en el cuerpo, santuario donde tiene lugar esa fisión.

Ha habido muchos artistas pertenecientes a esta corriente de mostrar el arte llevando su propio cuerpo al limite, una de las artistas mas relevantes es Marina Abramovic que fue sindicada como la “abuela de la performance”, ella basa su obra en la complicidad con el público.

Marina Abramovic ha explorado el dolor y ha probado su resistencia física a su acción, de manera auto infligida o por otros. Con frecuencia, sus performances se desarrollaban y/o han concluido inesperadamente debido a accidentes e imprevistos, que han llegado a poner su vida en peligro. En Ritmo 10 (1973), su primera performance se corta mediante cuchillos con movimientos repetitivos entre los dedos. Tras llegar al cuchillo número veinte, reproduce las imágenes e intenta imitar sus gestos para conseguir idénticos resultados. En Ritmo O (1974) permitió ser maltratada por una sala llena de espectadores. La performance terminó antes de lo previsto con una pistola en la sien de la artista y una lucha entre participantes. Sus trabajos con el cuerpo como fuente y objeto de la expresión artística, afirma, que le sirven para liberar sus fantasmas personales y mostrárselos a todas las personas que quieran verlo. Ella misma advierte que "Una buena performance tiene que afectar tanto mentalmente como espiritualmente"

Algunas de sus obras más destacadas son :

Ritmo 10:

En su primera performance exploró elementos de rituales y gestos. Usando veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y grababa la operación.

Ritmo 5:

En esta performance, Abramovic intentó revocar la energía del dolor corporal extremo, en este caso usando una gran estrella mojada en petróleo, la cual es encendida al comienzo de la actuación.

Ritmo 0:

Colocó sobre una mesa 72 objetos que la gente le permitiera usar en la forma que ellos eligieran. Algunos de estos objetos podían usarse de manera placentera, mientras que otros podían infligir dolor o incluso dañarla. Entre ellos había tijeras, un cuchillo, un látigo, una pistola y una bala. Durante seis horas la artista permitió a los miembros de la audiencia manipular su cuerpo y sus acciones